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추상 예술은 모양, 색, 선의 식각 언어를 사용하여 세계의 시각적 참조로부터 어느 정도 독립적으로 존재할 가능성이 있는 작품을 만듭니다. 서양 미술은 르네상스에서 19세기 중반까지 시점의 논리와 가시적인 현실의 환상을 재현하려는 시도에 힘입어 왔습니다. 19세기말까지 많은 예술가들은 테크놀로지, 과학, 철학의 근본적인 변화를 포함한 새로운 종류의 예술을 창조할 필요성을 느꼈습니다. 개별 예술가들이 이론적인 논의를 이끌어내는 원천은 다양했고, 당시 서양 문화의 모든 분야에서 사회적, 지적인 관심을 반영했습니다.
추상예술, 비조형예술, 비객관예술, 비표현예술은 모두 밀접한 관련이 있는 용어입니다. 그것들은 비슷하지만 아마도 같지 않은 의미를 가지고 있습니다. 추상화는 예술에서의 이미지 묘사에 있어서 현실로부터의 탈피를 보여줍니다. 이 정확한 표현으로부터의 일탈은 미미하거나 부분적이든 완전하든 상관없습니다. 추상화는 연속체를 따라 존재합니다. 가장 높은 수준의 근접성을 지향하는 예술조차도 완벽한 표현은 불가능하기 때문에 적어도 이론적으로는 추상적이라고 할 수 있습니다.
자유를 박탈하는 아트워크, 예를 들어 눈에 띄는 방식으로 색깔이나 모양을 바꾸는 아트워크는 부분적으로 추상적이라고 할 수 있습니다. 완전한 추상화는 인식 가능한 것에 대한 어떠한 언급의 흔적도 갖지 않습니다. 예를 들어 기하학적 추상화에서는 자연주의적 실체에 대한 언급의 거의 찾을 수 없습니다 조형예술과 완전추상은 거의 상호 배타적입니다. 그러나 비유적이고 표현적인(또는 현실적인) 예술에는 종종 부분적인 추상화가 표함 되어 있습니다.
기하학적 추상화와 서정적 추상화는 종종 완전히 추상적입니다. 부분 추상화를 구현하는 아주 많은 예술 운동 중에는 예를 들면 현실에 대해서 색깔이 현저하게 의도적으로 변화하는 야수파와 실제 실체의 형태를 변화시키는 큐비즘 등이 있습니다.
선사시대
초기 문화예술의 대부분은 도자기, 직물, 바위 비문이나 그림의 표지나 마크로 상징적이거나 장식적인 목적을 가지고 있을지도 모르는 심플하고 기하학적이며 직선적인 형태를 사용했습니다. 추상예술이 전하는 것은 이 수준의 시각적 의미입니다. 중국 서예나 이슬람 서예의 아름다움을 읽지 않고도 즐길 수 있습니다.
이슬람 세계
구상예술에 대한 이슬람의 부정적 시각은 복잡하고 비구상적인 예술표현을 이슬람 세계 전체로 확산시키고 있습니다. 조형적 이슬람 예술은 이슬람 자체만큼이나 오래된 것이며, 그 가장 오래된 예 중 일부는 바위 돔과 같은 초기 건물에서 찾을 수 있습니다. 이슬람 예술은 인간이나 동물의 그림을 그리는 것에 의문을 품고 있을지 모르지만, 식물이나 무생물에 대해서는 똑같이 느끼지 않습니다.
이슬람 예술은 전통적으로 서예, 기하학 모양의 테세라링, 아라베스크라고 불리는 모티브를 중심으로 전개되고 있습니다. 이러한 요소들은 건축, 양탄 만들기, 도자기, 유리 만들기, 금속 세공을 포함한 모든 이슬람 응용 예술에서 볼 수 있으며 기타 비유적인 회화의 경계를 장식할 수 있습니다.
십자군 전쟁으로 초래된 기독교와 이슬람 세계의 광범위한 대화의 결과 이슬람 패턴과 기법은 특히 이탈리아와 스페인의 유럽 장식 예술에도 적용되게 되었습니다. 스페인 무데 자르 미술이나 베네치아의 고딕 건축 등이 대표적입니다.
동아시아
중국 그림에서 추상화는 당나라 화가 왕모로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 왕모는 수묵화 스타일로 발명했다고 합니다. 그의 그림 중 어느 것도 남아 있지 않지만, 이 스타일은 일부 송나라 회화에서 명확하게 볼 수 있습니다. 선불화가 양개는 그의 물보라 속 불멸 인물화에 이 스타일을 적용하고 깨달은 자의 비이상적인 마음과 결합된 자발성을 높이기 위해 정확한 표현을 희생합니다. 천태불교에 정통한 후기 송나라 화가 Yu Jian은 물보라의 일련의 수묵 풍경을 만들어내 많은 일본 선화가들에게 영감을 주었습니다. 그의 그림은 물체의 모양이 거의 보이지 않는 매우 단순화된 짙은 안개 자욱한 산을 보여줍니다. 이러한 유형의 그림은 말년에 Sssshu Toyo에 의해 계속되었습니다.
중국 회화에서 또 다른 추상화의 예는 Zhu Derun의 Cosmic Cicle에서 볼 수 있습니다. 이 그림의 왼쪽에는 바위투성이 토양에 있는 소나무가 있고, 그 가지에는 덩굴이 매달려 있고, 그림의 오른쪽으로 난잡하게 뻗어 있으며 그곳에는 완전한 원(아마 나침반의 도움을 받아 만들어진)이 공허하게 떠 있습니다. 이 그림은 혼돈과 현실이 자연 통상 코스의 보완적인 단계인 도교의 형이상학을 반영하고 있습니다.
도쿠가와 일본에서는 선승이 원종을 창시하고 원종은 절대적인 깨달음을 나타냅니다. 보통 자연스러운 붓놀림으로 만들어져 선화의 일부를 이끈 미니멀리즘 미학의 패러다임이 되었습니다.
19세기
교회로부터 후원은 감소하고, 일반의 개인적인 후원은 예술가에게 생계를 제공하였습니다. 추상예술 발전에 기여한 세 가지 예술운동은 낭만주의, 인상주의, 표현주의였습니다. 예술가의 독립은 19세기에 진전되었습니다. 보이는 것에 대한 객관적인 관심은 존 컨스터블, JMW 튜너, 카밀코로 토의 그림부터 바르비종파의 플레인 에어 페이팅을 계속한 인상주의까지 식별할 수 있습니다.
새로운 예술의 초기 암시는 검은색과 금색 녹턴을 그린 제임스 맥닐 휘슬러에 의해 이루어졌습니다. 낙하한 로켓(1872년)은 물체 묘사보다 시각적 감각에 중점을 두고 있었습니다. 그보다 앞서 그녀의 영적인 드로잉과 함께 추상적인 형태로 작업하기로 한 Georgiana Houghton의 선택은 추상화가 아직 개념이 아닌 시대의 주제의 부자연스러운 특성과 관련이 있습니다(그녀는 1871년에 전시회를 조직했습니다.)
표현주의 화가들은 그림 표면의 대담한 사용, 왜곡이나 과장, 강렬한 색채를 탐구했습니다. 표현주의자들은 현대 경험에 대한 반응과 지각, 그리고 인상주의나 19세기 후반 회화의 보다 보수적인 방향에 대한 반응인 감정적으로 대전된 그림을 제작했습니다.
추상 예술은 모양, 색, 선의 식각 언어를 사용하여 세계의 시각적 참조로부터 어느 정도 독립적으로 존재할 가능성이 있는 작품을 만듭니다. 서양 미술은 르네상스에서 19세기 중반까지 시점의 논리와 가시적인 현실의 환상을 재현하려는 시도에 힘입어 왔습니다. 19세기말까지 많은 예술가들은 테크놀로지, 과학, 철학의 근본적인 변화를 포함한 새로운 종류의 예술을 창조할 필요성을 느꼈습니다. 개별 예술가 이론적인 논의를 이끌어내는 원천은 다양했고 당시 서양 문화의 모든 분야에서 사회적, 지적인 관심을 반영했습니다.
추상예술, 비조형예술, 비객관예술, 비표현예술은 모두 밀접한 관련이 있는 용어입니다. 그것들은 비슷하지만 아마도 같지 않은 의미를 가지고 있습니다. 추상화는 예술에서의 이미지 묘사에 있어서 현실로부터의 탈피를 보여줍니다. 이 정확한 표현으로부터의 일탈은 미미하거나 부분적이든 완전하든 상관없습니다. 추상화는 연속체를 따라 존재합니다. 가장 높은 수준의 근접성을 지향하는 예술조차도 완벽한 표현은 불가능하기 때문에 적어도 이론적으로는 추상적이라고 할 수 있습니다.
자유를 박탈하는 아트워크, 예를 들어 눈에 띄는 방식으로 색깔이나 모양을 바꾸는 아트워크는 부분적으로 추상적이라고 할 수 있습니다. 완전한 추상화는 인식 가능한 것에 대한 어떠한 언급의 흔적도 갖지 않습니다. 예를 들어 기하학적 추상화에서는 자연주의적 실체에 대한 언급의 거의 찾을 수 없습니다 조형예술과 완전추상은 거의 상호 배타적입니다. 그러나 비유적이고 표현적인(또는 현실적인) 예술에는 종종 부분적인 추상화가 표함 되어 있습니다.
기하학적 추상화와 서정적 추상화는 종종 완전히 추상적입니다. 부분 추상화를 구현하는 아주 많은 예술 운동 중에는 예를 들면 현실에 대해서 색깔이 현저하게 의도적으로 변화하는 야수파와 실제 실체의 형태를 변화시키는 큐비즘 등이 있습니다.